Issu d’une famille qui travaille le bois depuis trois générations, Jean-Luc s’est d’abord exercé sur des bois d’Europe (châtaignier, frêne, hêtre…), avant de passer vingt ans en Guyane où il découvre des essences amazoniennes dans son entreprise de transformation du bois. Il déménage à Lembras fin 2021 et se lance dans son activité actuelle : mettre en valeur ce que la nature donne. Son travail s’attache particulièrement aux couleurs, aux veinages, aux reflets et aux formes des bois et propose des objets décoratifs et utilitaires. Il réalise également des commandes, ces bois ayant notamment l’avantage d’avoir une résistance de classe 4, c’est-à-dire qu’ils ne subissent pas d’attaques de champignons ni d’insectes.

L’hydrométrie diffère entre la Guyane et la métropole, ce fait que les bois travaillent. La méthode de travail de Jean-Luc consiste donc à faire sécher les bois en métropole. Le but est que le bois, stabilisé proche du lieu d’exposition, descende à un niveau d’hygrométrie entre 8 et 10%. Ces bois sont très nerveux et très lourds, avec une densité parfois densité supérieure à 1, il faut plus d’un an pour qu’ils sèchent. Il arrive d’ailleurs qu’ils gercent, en formant de petites fentes de surface. Travailler ce type de bois pose d’autres défis techniques, outre la question de l’hygrométrie. Jean-Luc réfléchit par exemple à une formule de vernis qui conserverait la couleur rose du bois cathédral. Il en va de même avec l’amarante, qui est violet mais dont la couleur se dégrade avec l’oxydation. Il existe plusieurs façons d’acheter bois. L’Office National des Forêts (ONF) est le principal vendeur. Jean-Luc se fournit en bois PEFC (certification de la gestion forestière durable) en Guyane et le fait sécher à Lembras. Les vernis utilisés sont à base d’eau.

Jean-Luc travaille le bois avant tout parce c’est un matériau noble : sa beauté, forgée par la terre, et sa force se retrouvent dans les réalisations en bois à la fois belles et solides. Son toucher est souvent agréable, ainsi que son odeur, qui varie selon les essences : le wakapou a une odeur poivrée, le cèdre jaune une odeur de cannelle qui embaume tout l’atelier. C’est aussi une énergie renouvelable, qui a la faculté de repousser. Chaque bois est différent et le travailler est toujours gage d’une nouvelle aventure. Le postulat de Jean-Luc est avant tout la valorisation du matériau : que faire pour le mettre en valeur ? A ses yeux, c’est la nature qui est l’artiste et il lui arrive de changer d’avis en cours de travail, toujours par soucis de s’adapter à ces bois qui sont déjà naturellement des œuvres d’art et non l’inverse. Leur valorisation constitue pour Jean-Luc un aboutissement, un bonheur de les magnifier.

Frédéric baigne depuis tout petit dans le monde de l’artisanat d’art : son père, souffleur de verre à Boisse depuis 1977, lui a transmis sa passion du métier. Après des études dans l’habillement, il entame donc un apprentissage à l’âge de 24 ans. Cinq ans plus tard, il s’installe à son compte et déménage à Issigeac en 2005. Sa boutique-atelier répond à plusieurs enjeux propres à son activité : potentiel économique dû à l’attractivité touristique d’Issigeac, grande surface et terrain permettant d’y stocker une cuve pour le gaz nécessaire au fonctionnement des fours. Il y propose au public une production variée : verrerie bullée classique traditionnelle, reproduction de verrerie romaine, verrerie d’inspiration médiévale, verrerie décorative (boules de Noël, presse-papiers, fleurs, flacons à parfum, ensembles de salle de bain…). Frédéric effectue également des travaux sur commande : des bouteilles pour la viticulture, du travail de reconstitution, de la réparation de verre ébréché et de la restauration de luminaire.

La production de verrerie bullée, très à la mode auprès des clients depuis les années 50 avec un regain d’intérêt dans les années 2000, est de moins en moins rependue car assez technique. La verrerie d’inspiration médiévale est également assez difficile à faire car elle prend du temps et n’est donc pas la plus rentable, tandis que la réparation des luminaires, très compliquée, demande un matériel bien spécial.

Dans la pratique de son métier, Frédéric aime tout particulièrement travailler devant le public. L’atelier permet non seulement la production corollaire à une entreprise artisanale mais aussi de dialoguer avec le public et de lui faire découvrir le métier de souffleur de verre. Il s’agit pour Frédéric d’éduquer les uns et les autres sur cette matière si familière qu’ils connaissent pourtant si peu. Observer son travail au sein de son atelier permet de se rendre compte de la chaleur, du bruit, de la vitesse de travail, d’expliquer les différents fours… Les plus petits comme les plus grands sont souvent fascinés de voir que le verre est mou lorsqu’il est travaillé et admirent la transition de la matière comme ils l’admireraient devant un céramiste tournant un bol. Nourrir la curiosité des gens face au travail de la matière permet également pour Frédéric de démonter les idées reçues sur son métier, comme le fait qu’il ne nécessite pas forcément d’avoir beaucoup de souffre, ou encore de répondre aux questions sur le recyclage du verre. Frédéric est avant tout un artisan : dans sa méthode de travail, il s’inspire de ce qu’il trouve au gré de ses lectures sur les pièces de musées. Il recherche la difficulté technique dans de premières réalisations avant de passer à l’étape du dessin en prenant en compte les défis en terme de technicité. Pour les flacons par exemple, une production typique s’étale sur une semaine, le premier jour étant consacré à toute une série d’essais pour retrouver le mode opératoire optimale, avant de travailler ensuite sur les décors puis de revenir sur la forme.

80% des déchets de verre sont recyclés dans son atelier. La verrerie romaine par exemple est entièrement réalisée en verre recyclé. 70% du verre utilisé par Frédéric est du verre de recyclage, les 30% restants sont faits par ses soins avec un mélange de sable, de carbonate de soude et de carbonate de chaux. Le mélange va dans une bétonnière avant d’être enfournée dans un four chauffé à 1280°C afin que le sable se transforme en verre. Le sable provient de la région de Fontainebleau, dont le sable d’excellente qualité fournit la plupart des verreries d’Europe. Avant d’être transformé en verre, le sable doit être débarrassé de l’oxyde de fer qu’il contient afin d’éviter la coloration verte que l’on peut parfois voir dans le verre à vitre de moins bonne qualité.

La monde de la verrerie obéit aussi à des tendances, en terme de couleurs phares notamment. Certaines années favorisent une couleur plutôt qu’une autre, bien que le bleu semble rester un classique pour beaucoup de clients. Frédéric propose douze colories différents dans ses productions. Les techniques à la mode en ce moment sont celles venues d’Italie, comme les baguettes. Cette question de la technicité reste au cœur du métier de souffleur de verre : il faut entre cinq et dix ans à un artisan formé pour bien maîtriser les bases. Frédéric note cependant que ce métier passionnant a peu de débouchés et du mal à se féminiser. En effet, il est plus difficile pour les souffleuses de verre de s’insérer car peu d’ateliers sont dirigés par des femmes. Quant aux débouchés en général, elles sont surtout dans les manufactures, où le travail est peu valorisé malgré la pénibilité. Il reste compliqué de s’installer à son compte car cela demande d’investir beaucoup de matériel dès le départ et de pouvoir rapidement couvrir les coûts en gaz et/ou en électricité pour les fours.

Karine a toujours aimé les meubles anciens. Son attrait pour la décoration a pu s’épanouir dans la professionnalisation de son activité. Le travail manuel des fauteuils, tissus et étoffes permet de donner du sens à son métier. Ce constat a été clair pour Karine au moment de sa reconversion professionnelle : elle avait le besoin d’exercer un métier qu’elle aime qui nourrisse sa créativité. L’artisanat est pour elle un véritable métier de passion. Il y a huit, Karine se lance donc dans une reconversion professionnelle et apprend le métier de tapissier d’ameublement selon la méthode traditionnelle au crin. Elle s’installe d’abord à son compte en Picardie en créant son atelier avec pour activité principale la confection de fauteuils. Elle se forme ensuite au métier d’abat-jouriste en complément des fauteuils et de la tapisserie. 

Il y a un an et demi, elle tombe sous le charme d’Issigeac et y déménage. La toute récente ouverture de sa boutique à Issigeac est un nouveau chapitre dans sa vie professionnelle. Elle y propose, outre ses créations personnelles d’abat-jours et de fauteuils, une sélection de petits meubles qu’elle restaure, ainsi qu’une gamme de linges anciens, fuseaux de lavande et senteurs provenant d’artisans français. Le but reste de proposer de beaux objets de qualité, toujours en adéquation avec son travail. Le travail de Karine se partage entre créations originales et commandes de ses clients. Les abat-jours proposés dans sa boutique permettent de monter son savoir-faire et ainsi de susciter des commandes auprès des clients qui viennent en boutique. Son univers est caractérisé par son amour des vieux tissus, des motifs fleuris, des couleurs douces formant des intérieurs feutrés. Elle travaille avec un carcassier du Nord de la France qui confectionne des carcasses à la demande. Inscrit aux entreprises du patrimoine vivant, il est le seul en France à pouvoir fabriquer des carcasses sur-mesure.

Karine se forme en continue, plus particulièrement sur les abat-jours, avec une moyenne de deux formations par an afin de continuer son perfectionnement. Concernant les fauteuils, elle complète sa formation à la méthode traditionnelle couplant ressorts et crins par des méthodes plus récentes utilisant la mousse. Il s’agit pour elle de maîtriser l’éventail des méthodes de qualité existantes dans la confection des fauteuils. Il en va de même pour les abat-jours, pour lesquels il existe nombre de techniques et de formes particulières. Les maîtriser lui permet de pouvoir composer avec les désirs de sa clientèle. Le plaisir est de puiser dans cette diversité de techniques. Continuer de se former à la confection d’abat-jours permet d’ailleurs à Karine de confronter les techniques, chaque formateur ayant des méthodes de travail spécifiques. Pour les fauteuils comme pour les abat-jours, il s’agit de trouver sa propre technique en puisant dans la gamme des possibles. Pour les abat-jours, il existe deux méthodes de confection, soit en couture, soit en polyphane (collage du tissu sur un papier rigide). Karine favorise la méthode tout couture, plus raffinée et aux formes différentes.

Les abat-jours ont le vent en poupe, la tendance actuelle étant aux grands abat-jours aux franges colorées. Nombre de tapissiers d’ameublement se forment d’ailleurs à la confection d’abat-jour car cela permet de composer fauteuil, coussins et abat-jours ensemble afin de développer une offre harmonieuse. La clientèle anglaise et américaine en est très friande et avoir une boutique à Issigeac permet à Karine de répondre à cette demande.

Karine travail de beaux tissus de qualité : velours, lin, vieux tissus… Pour elle, le toucher des matières est primordial. Un fauteuil se doit d’être agréable, accueillant quand on s’assoit dedans. Elle sélectionne ses tissus auprès de plusieurs éditeurs en France, en Inde et en Angleterre, dont les collections durent entre quatre et cinq ans et doivent donc être rachetées régulièrement. Outre des tissus fleuris, elle propose également des versions très modernes afin de pouvoir offrir un choix assez large pour répondre aux goûts de sa clientèle. Karine puise son inspiration dans son sens de l’observation des tendances mais aussi des belles choses qu’elle rencontre au quotidien et qui aiguisent sa créativité. Sa méthode de travail suit les étapes essentielles à la confection d’un fauteuil ou d’un abat-jour mais quelques différences existent entre une création personnelle ou commande : le choix des tissus, des finitions est souvent plus original lorsqu’elle crée, ce qui permet de faire de sa boutique une véritable vitrine de ses savoir-faire. Elle est alors plus libre de jouer avec les matières et les formes.

Brigitte est née en Normandie et s’est d’abord orientée vers la peinture : tableaux mais aussi meubles, boîtes et malles décorées à la main. Elle part vivre en Pologne pendant cinq ans et y découvre la céramique de Bolesławiec. Elle visite des ateliers de fabrication, découvre la magie de cette céramique et en tombe amoureuse. De retour en France, elle décide d’abord de la vendre, puis, en 2012, elle entame un CAP Tournage en Céramique à Montreuil où elle se forme auprès d’un Maître d’apprentissage spécialisé dans la porcelaine de Sèvres.

Depuis trois ans, elle a posé ses bagages à Eymet, où elle était déjà venue auparavant pour participer à des expositions. Sa céramique plaît aux Eymétoises et Eymétois car elle a su l’adapter aux goûts de la clientèle anglaise très présente dans le village. C’est bien cela la spécificité de son travail, sa capacité à penser une céramique de Bolesławiec à la française. Très réputée, cette céramique polonaise est pour elle la plus belle au monde. En Pologne, elle est fabriquée dans des moules en plâtre. La barbotine y est coulée directement, il est donc impossible de maîtriser l’épaisseur de la pièce. En la vendant, Brigitte s’est aperçu de ses défauts, son poids notamment. Elle en a donc adapté le procédé de fabrication : le fait de tourner et de mélanger terre et porcelaine permet un travail plus fin et ainsi d’enlever du poids. La méthode de peinture au tampon, caractéristique, a quant à elle été conservée. Brigitte fabrique ses tampons à la main et varie les méthodes. Les pièces sont décorées entièrement au tampon ou entièrement au pinceau, parfois avec un mélange des deux. Cela permet notamment de jouer sur les prix en fonction du temps passé à fabriquer et décorer chaque œuvre. Brigitte a également adapté les modèles. Si les polonais sont friands de motifs traditionnels comme les yeux de paon, les français et les anglais ont d’autres préférences que Brigitte a su déceler au gré de ses tests. Les pièces qu’elle préfère fabriquer sont les théières car celles-ci permettent une possibilité infinie de formes et de tailles.

Avec le temps, la pratique évolue. En plus de 10 ans de céramique, on apprend à maîtriser le métier : la fabrication est différente, la maîtrise de la matière est affinée, ce qui permet d’être plus à l’aise dans les expérimentations et donc de faire plus de découvertes. En ce moment, Brigitte apprend le filage du verre afin d’associer verre et céramique dans ses prochaines créations. C’est aussi ce qui la passionne dans son métier, les apprentissages constants et le fait d’évoluer avec la matière. A moyen-terme, elle souhaite travailler la porcelaine plus spécifiquement, un matériau plus noble qu’elle aime tout particulièrement. Son toucher d’abord est différent : travailler de la porcelaine, c’est comme avoir une motte de beurre en main. C’est aussi une matière plus exigeante car elle garde une mémoire de forme, contrairement au grès. Une erreur sur de la porcelaine, même corrigée, ressort à la cuisson.

Le travail de la céramique, c’est un aussi un grand travail de bibliographie sur les diverses pratiques, les formes qui évoluent suivant les années et les époques. L’idée essentielle pour Brigitte est de trouver la forme qui convient. Elle adapte son regard, soucieuse aussi de la façon qu’on les uns et les autres de se servir d’un objet. Par exemple, les tasses sans anses, son produit phare, répondent à une problématique bien particulière. Partant du constat que les tasses vendues dans le commerce sont souvent trop petites ou trop grandes pour les machines à cafés, Brigitte a réfléchi à une taille standard qui non seulement irait sur toutes les machines, mais qui serait également dépourvue de anses : allant au four, ces tasses à café peuvent aussi servir à la confection de muffins, crèmes caramels, mousses au chocolat… L’idée est bien d’avoir un produit pouvant répondre à plusieurs utilisations. Même chose pour ses reposes-cuillères, rectangulaires afin de pouvoir aussi y poser petits cakes et petits gâteaux. Les créations de Brigitte associent ainsi la praticité à la beauté. Elle favorise aussi les tasses rondes, pour une meilleure prise en main, avec des lignes qui épousent la forme des mains, au contraire des tasses droites. Le souci est de garantir le plaisir de prendre la pièce entre nos mains, qui après tout sont rondes elles aussi.

Dans son atelier, Brigitte fait jouer les matières entre elles. Le rapport à celles-ci nous ramène selon elle au rapport que l’on a à la terre. Elle développe ses propres techniques pour alléger les pièces, mélangeant par exemple porcelaine et… papier toilette ! En effet, le papier toilette contient de la cellulose qui brûle à la cuisson et allège ainsi la pièce. Cela permet d’obtenir de petites pièces légères et solides. C’est ce côté sorcier des mélanges qui intéresse Brigitte, toujours à la recherche de nouvelles solutions pour mêler les terres : grès, porcelaine, terre noire… Elle travaille également les cuissons, jusqu’à trois pour certaines pièces, et les métaux précieux (bronze, platine, or) dans certaines œuvres. Brigitte travaille avec la nature, s’inspirant de ce qu’elle rencontre, de ce qu’elle voit dans la journée, mais aussi de ce que ses clients lui demandent. Il arrive parfois que leurs suggestions évoluent vers d’autres idées. Le contact avec la clientèle est aussi souvent l’occasion d’expliquer les processus de fabrication encore trop méconnus du grand public. Brigitte est d’ailleurs une fervente adepte des marchés, qui lui permettent de rencontrer une clientèle différente de celle de sa boutique : si tout le monde ne rentre pas dans une boutique, le marché est un lieu de rencontre plus divers et enrichissant. Cela tient beaucoup à cœur à Brigitte, qui fait attention à proposer une gamme de prix pour toutes les bourses :

« J’estime que le matin, tout le monde a le droit de boire dans une belle tasse pour se donner de la bonne humeur ».